Inauguración de Muestra en Bariloche Arte Contemporáneo

Inauguración de Muestra en Bariloche Arte Contemporáneo

 En la galería Bariloche Arte Contemporáneo, se inaugura la Muestra de la artista plástica Lilian Martinez y el escultor Fernando Mendez, ambos talentosos productores, del arte local.
La inauguración de la muestra de arte será el domingo 7 de Junio, a las 20 hs. en la Hostería La Luna, Km. 7.549 de Av. Bustillo. Se contará con la presencia de ambos Artistas.

También se pueden apreciar en exposición permanente obras de: Milo Lockett, Felipe Gimenez, Rodolfo Zagert, Ricky Crespo, Gabriela Pertovt, Balbina Lightowler, María Eugenia Cozzi, Gabriel Foglia, entre otros.

Bariloche Arte Contemporáneo presenta ésta muestra con el propósito de exponer el trabajo de dos talentosos artistas locales, generando el intercambio entre el público, la obra y su autor y brindando un espacio selecto para la proliferación del arte en la Ciudad.
Del mismo modo, los artistas que exponen su obra en forma permanente, son parte de circuitos nacionales e internacionales, de muestras y galerías de arte, y sus obras pueden apreciarse también aquí en Bariloche.

Entrada libre y gratuita.

Sobre algunos de los expositores

Lilian Graciela Martínez:

Nace en la ciudad de Buenos Aires en agosto de 1958. Artista autodidacta de la ciudad de San Carlos de Bariloche, provincia de Río Negro, ciudad de residencia desde hace ya más de 30 años. Realiza su primera muestra en el año 2005 “Retratos y Paisajes” en la sala Municipal del Centro Cívico de su ciudad.

Hasta hoy sigue realizando exposiciones en distintas salas culturales nacionales e internacionales. “Darle forma al mundo”, rechazando normas estéticas establecidas. Lilian lo dice con total naturalidad, pertenece al grupo de los informalistas , propone el hecho pasional y la exaltación de distintos modos de sentir la vida, como esencia de su trabajo.

Dedica muchas horas del día a probar materiales y a bocetar en su taller, pinta varias obras a la vez, trabajándolas en capas, hasta que la obra decide liberarse de ella. El interés de su obra no es conceptual, solo pinta luego piensa la obra, aventurándose en descubrir la espiritualidad en cada una de ellas, en esos fuertes contrastes de luz y sombra y en el uso libre del color. Sus figuras emergen desde una atmósfera de ensoñación, con una gran carga metafísica. Desde lo más íntimo propone una dramática visión del mundo.

La artista revaloriza la espontaneidad como detonante de una pintura, que cuando logra fortalecerse comienza a transmitir sus emociones. Su búsqueda instintiva logra todo su sentido cuando, de pronto, la tela evidencia una armonía en su composición y en los distintos tonos de color. El impulso primordial de crear parecía transcurrir por un terreno difuso y ahora, por fin, logra conformarse en una obra.

Lilian Martínez presiente que el espectador completará esa visión intensa del mundo, plasmada con la nobleza de la imagen.

Fernando Mendez:

Sus obras y su trabajo son su curriculum mejor redactado. “Siento que ser artista es tratar serlo, siempre avanzando, buscando, desafiándose, jugando y dándome la posibilidad de divertirme, entrando en lo más profundo para salir con más fuerza a la superficie. El arte me entusiasma, me invita a decir quiero más. Contar, decir, mostrar, simplemente expresarme… de esta manera el artista invita a visitar su muestra.

Artistas Permanentes:

Milo lockett:

Es un artista plástico chaqueño, autodidacta, que comenzó su carrera luego de trabajar varios años en la industria textil. En 2002 cerró su fábrica y estampadora textil, y abandonó completamente sus actividades empresariales para dedicarse por entero a la pintura. De nacionalidad argentina, nacido el 1° de diciembre de 1967, vive y trabaja en Resistencia, su ciudad natal. Desde su taller, situado en Irigoyen 456 “B”, Milo logró crear en poco tiempo, una identidad pictórica que lo convirtió en un éxito de ventas sin precedentes.

Sus referentes se encuentran en la obra de Jorge de la Vega, Nigro, Macció y Deira. El público de Milo Lockett abarca desde grandes coleccionistas a jóvenes empleados y profesionales que están buscando su primera obra de arte.

Milo Lockett dona anualmente un promedio de 40 obras para subastas a

beneficio del Hospital Pediátrico de Resistencia, trabajo realizado con adolescentes dentro de un proyecto de prevención de HIV - Cruz Roja Argentina. Además, ha colaborado para UNICEF en el proyecto “Un Minuto por mis Derechos” en el 7º Encuentro de Niños y Jóvenes escultores bajo el tema “Los Monstruos de Berni y Juanito Laguna”. Ha realizado talleres masivos de pintura al aire libre en el Festival de la Triple Frontera, Paraguay, Brasil y Argentina, Chaco, Jujuy, Corrientes, Misiones, Santa Fe y Buenos Aires.

Web: www.milolockett.com.ar

Felipe Giménez:
Nació en Mar del Plata, en 1963. Estudió con el maestro Alberto Bruzzone.
En 1994 se recibió de psicólogo y se dedicó al análisis de chicos e instituciones, "dos vertientes bastantes particulares dentro del psicoanálisis -cuenta Giménez- esto lo nombro porque es algo que siempre ha sobrevolado mi obra. Es como que el eco de los fragmentos de la escucha, son materia prima tanto como el óleo o la trementina, para la masa de las obras."
Ha expuesto en obras colectivas e individuales, en salones nacionales y provinciales.
A partir de una exposición en el Centro Cultural Recoleta, en la que su obra tiene muy buenas críticas y recibimiento, el francés Pierre Bongiovani lo invita a París. Se suman a esta invitación otras para exponer en Lugano, Suiza, y Barcelona.
De vuelta en Mar del Plata, con su hermano abre un corralón de arte, "donde - explica Giménez- fue interesante probar un concepto distinto de mostrar obra a mucha gente, de las más diversas tribus".
Web: www.felipegimenez.com

Rodolfo Zagert:
Nace en 1950 en El Dorado Misiones, Argentina. Estudia arte y arquitectura en Buenos Aires.
A los 19 años realiza su primera exposición en la galería Lirolay de esa ciudad. En 1972 continúa sus estudios becado en Alemania. Permanece en ese país donde desarrolla su producción artística en el campo de la plástica y la arquitectura hasta 1991, año en el que se traslada a Palma de Mallorca.

Como arquitecto se especializó en la rehabilitación, obteniendo el prestigioso Premio Ciudad de Palma en el año 1999 por la restauración de un palacio del siglo XVI.
Desde el 2003 se dedica exclusivamente a la pintura y en el año 2006 se radicó definitivamente en Argentina. Web: www.rodolfozagert.com

El corazón de nuestro mundo (por Raúl Santana / Crítico de Arte)
Sumando una larga serie de azarosos procesos, Zagert hace advenir visiones de las que el propio artista es el primer sorprendido; después de ejercer una poderosa atención flotante en el intenso diálogo que mantiene con las incitaciones y sugerencias que van proponiendo las formas, logra al fin no desbaratar las obras. Si sus técnicas por momentos pueden hacernos pensar en los “fortuitos encuentros” que propicia el surrealismo, la poética del artista la inscribe en otro registro: trasfondo geológico donde tierra, mundo y paisaje son fragmentarias apariciones que se entrelazan vertiginosamente como vocablos de disímiles discursos.
En la variedad de las formas convocadas se produce un frondoso laberinto de relaciones donde confluye una pluralidad de puntos de vista. Se trata de un territorio propio cargado de ramificaciones; pues los procedimientos empleados por el artista hacen del plano el receptáculo de sus provocaciones-investigaciones que concatenan, atan, exploran conexiones, anudan partículas, para desencadenar, al fin, un mundo orgánico-inorgánico que se nos presenta no con las apariencias habituales, sino como un insospechado trayecto desde su materia hacia el corazón de nuestro mundo.

Balbina Ligthowler:
Nace en mayo de 1972 en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. Es artista plástica y arquitecta, graduada en la Universidad de Buenos Aires.

Entre 1994 y 2004 ejerció la docencia en la Facultad de Arquitectura de la U.B.A. en las asignaturas Representación Arquitectónica e Historia II. En la actualidad dicta seminarios de arte contemporáneo y talleres de pintura.

Ha realizado las siguientes muestras individuales: (2013) Palais de Glace "Bosque infinito", Instalación, Ciudad de Bs. As.; (2013) Museo de Arte Contemporáneo Argentino, Junín, Prov. Bs. As.; (2013) Centro Cultural Plaza Castelli, "Obra 2010/2013" Ciudad de Bs. As.; (2012) Universidad Nacional Arturo Jaureche, Prov. de Bs. As.; (2011) Galería Bacano "Bosques", Ciudad de Bs. As.; (2011) Banco de la Nación Argentina, Ciudad de Bs. As.; (2010) Centro Cultural Recoleta “Viaje a la contemplación” Ciudad de Bs. As.; (2010) Almacén Secreto “Ida y Vuelta”, CABA; (2009) Galería Bacano “Absurdos”, Ciudad de Bs. As.; (2008) Galería Perro Verde, “Muestra de Pintura”, Ciudad de Bs. As.; (2006) Hotel Argentino, Piriapolis, Uruguay; (2005) Senado de la Nación Argentina, Biblioteca del Congreso; (2001) Centro Cultural Recoleta, “Multiplicidades”, Ciudad de Bs. As.
Sus obras forman parte de colecciones privadas del país y del extranjero. Web: www.lightowler.com.ar

"Viaje a la contemplación" (Por Jorge González Perrín)
¿Cuándo comienza a gestarse una obra de Balbina Lightowler? Al tratar de responder esta cuestión, tal vez, sea posible encontrar algunas de las coordenadas que organizan su quehacer artístico.
Árboles, cielos, ramas, vegetales, playas, paisajes son recortados a través del objetivo de su cámara fotográfica. Esta es una primera operación de distanciamiento, y al mismo tiempo un principio de fragmentación. Luego, mediante tratamiento digital, retornará a otro principio de unidad, al signo de un nuevo paisaje.
El collage o arte de ensamblar elementos diversos en un todo unificado, las ideas cubistas en la aplicación de la perspectiva múltiple, los collages de Man Ray o Anna Hoch, Duchamp, las imágenes y procedimientos de Robert Rauschenberg, los collages fotográficos de David Hockney y recientemente las producciones de paisajes fragmentados expuestos en la Tate Gallery o el uso de ordenadores y teléfonos para desarrollar algunas de sus imágenes, son ideas y sistemas que tienen historia en el mundo del arte y con los que la obra de Balbina dialoga o tiene tangencialmente puntos de encuentro.
El sistema Lightowler se compone de varias secuencias: cortar, pegar, plotear un soporte transparente donde pintar el frente y el dorso, posteriormente iluminar para que broten sombras.
Sin duda una práctica compleja, difícil, donde la toma de decisiones constante es un riesgo que a esta altura se ha naturalizado.
Luego la superficie así de-construida nos devuelve los fragmentos como recuerdos perdidos, que al hacerse presentes convierten en distinto el lugar común establecido.
En estas pinturas, la acción, se extiende a varios planos:
El soporte se presenta transparente, con una imagen desarrollada previamente. En el dorso de la obra se refuerzan los contrastes, se hace todo más evidente. La intervención en el frente generalmente le aporta más color, es allí donde pueden aparecer novedades que completen la imagen.
La iluminación proyecta sombras, un lugar destinado a los que quieren ver más, pleno de sutilezas. "La belleza subyace ahora allí donde nos tomemos la molestia de mirar” (R. Rauschenberg).
Hay un momento en el que cual, el diálogo finaliza, sobreviene la calma, ha llegado la hora de la contemplación y con ella, el comienzo de otro ciclo, que intuimos, volviendo a la pregunta inicial, sea la manera de superar la perplejidad frente al absurdo.

Ricky Crespo:
Nace en Buenos Aires el 26 de octubre de 1970. Un artista polifacético que aborda tanto la pintura, la instalación, el cuadro-escultura y también la música.

Su formación, en el campo del diseño grafico y publicitario, fue cimentada por una actitud de autodidacta plástico desde pequeño. Fue docente de la UBA en la materia troncal de Diseño y en la meticulosa materia de Diseño Tipográfico. Desarrolla y dicta su propia materia en el Centro de Artes Visuales, dirigida por la artista plástica Marizu Tersa. De igual manera realiza cursos y talleres con diferentes artistas y con grandes maestros, Juan Doffo entre otros.

En el año 2003 expone su serie fundamental "Galerudos-Templos", una mirada sobre la espiritualidad humana y su poder latente. Creando hombres con altísimas galeras que son "como catedrales góticas, elevándose hacia el cielo en busca de lo trascendente. El ser humano es un templo que contiene el poder en su interior". Estas pinturas se relacionaban en toda la sala con instalaciones que proponían un diálogo simbólico y esotérico.
En ese mismo año funda junto con Guillermo Irmscher el grupo 'Investigación Plástica' dispuestos a "investigar los múltiples caminos artísticos, definir
el momento plástico, involucrarse con la historia, y así, olvidarla".
A partir de ese momento comienza a trabajar en diferentes y a la vez heterogéneas "series" buscando en cada una un motivo de estudio.

"Soy un artista plástico interesado en mover los limites del arte. Soy artista plástico y músico y diseñador tipográfico. Soy amante de los tópicos esotéricos y de la frivolidad del pop. Es ese contraste el que me interesa: el potencial espiritual humano y el condicionamiento de la sociedad y de sistema en el que vivimos, una sociedad de consumo"
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Web: www.ricardocrespo.com.ar

María Eugenia Cozzi:
Entre los años 1993 y1997 estudió el profesorado de Bellas Artes, en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”. En 1998 estudió en el Art Student League of New York. Realizó talleres con María Guerreiro, Germán Caporale, Patricio Bosh, y Laura Messing.
Participó de varias muestras colectivas y realizó las siguientes muestras individuales: (2001) Palacio de las Artes; (2004) Galería Isidro Miranda; (2006) Galería Isidro Miranda San Isidro; (2009) Galería Almacén Cultural; (2009) Feria Arte SI, Hipódromo de San Isidro; (2010) Suite homes, Nordelta; (2010) Galería Isidro Miranda “Que te guste como soy”.
Web: www.meugeniacozzi.com.ar
Palabras de Eduardo Villar
Hay algo en los personajes que habitan estas pinturas de María Eugenia Cozzi que hace que uno los llame hombrecitos. Sin dudas, inmediatamente, ése es el nombre que se les da: Hombrecitos. No es, desde luego, una cuestión de tamaño, ni de edad. Se los nombra hombrecitos porque se los siente solos, un poco desamparados a pesar de estar siempre juntos, casi siempre sonrientes. Todos juntos y, a la vez, cada uno en lo suyo. Se los piensa hombrecitos como lo pensaría una madre de su niño, con orgullo: todo un hombrecito.
Hombrecitos que juegan, que hablan, que miran a otros jugar, que protestan en una marcha, que tocan su instrumento en una orquesta, que se visten de determinada manera, que contemplan el mundo, que esperan una llamada. Que esperan. No hay forma de no reconocerse un poco en ellos. Todos iguales y a la vez distintos. Son nuestro retrato. El de todos, hombres o mujeres, argentinos o no.
(...) Por eso se los llama hombrecitos: porque son los que pueblan el planeta, compañeros de especie. Frágiles, aunque tiendan a olvidarlo con facilidad pasmosa, efímeros, capaces de gozar y de sufrir las mayores dichas y tristezas, dueños de talentos, incapacidades y torpezas, llenos de deseos y temores. Imagino que esa solidaridad que se siente frente a sus telas es algo de lo que mueve a María Eugenia Cozzi a pintarlas. La veo con un pincel frente a una tela blanca e imagino esa escena como uno de sus cuadros. Porque cada uno de sus hombrecitos también es ella. Y un poco envidio -y agradezco- esa capacidad para dibujarse, para elegir los materiales, las líneas, los colores, las texturas y crear su imagen en la tela en lugar de recibirla pasivamente de un espejo. Envidio esa capacidad suya para, en una sola tela, crearse a sí misma y a esas criaturas que son al mismo tiempo sus hermanos y sus hijos. Por eso se los llama hombrecitos: porque son amables, es decir, se los puede amar. Porque se los ve por momentos preguntándose qué hago aquí, por momentos divertidos, por momentos felices, o jugando o maldiciendo o amando. Mortales. En medio de esas capas de pintura que dan la espesura dramática necesaria a escenas que, de otro modo, serían demasiado ingenuas. Eso es lo que pinta María Eugenia Cozzi, sin ninguna ingenuidad. Somos nosotros y estamos ahí. En espera.

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